Théâtre de la Ville, Place du Chatelet, Paris
http://www.theatredelaville-paris.com/

Théâtre du Rond-Point, 2 Bis av Franklin D Roosevelt, Paris
http://www.theatredurondpoint.fr/

Théâtre de la Colline, 15 rue Malte-Brun, Paris
http://www.colline.fr/

Théâtre du Soleil, Cartoucherie, Vincennes
http://www.theatre-du-soleil.fr/

Théâtre de l'Odéon, Place de l'Odéon, Paris
http://www.theatre-odeon.fr/

Opéra de Paris
http://www.operadeparis.fr/

Théâtre de la Commune, Aubervilliers
https://www.lacommune-aubervilliers.fr/

Miettes de Margoula
https://www.miettesdemargoula.fr/

Comédie Française
https://www.comedie-francaise.fr/

L’irréparable

Mais qu’est-ce qui est arrivé au grand Macbeth, ce général victorieux à la carrière brillante ? Un bel homme, aimé des siens, respecté, admiré, comblé d’honneurs mérités, salué par le roi. Il avait tout pour être heureux. Une femme aimante, distinguée comme une noble romaine. Un château magnifique. Et quel beau paysage ! Tout lui souriait.
Et voilà que du jour au lendemain, une ténèbre – tombe. C’était le lundi qui suivait le triomphe. Ça ne peut quand même pas être la faute des vieilles sorcières prophétiques ? C’est comme si l’avenir s’était jeté sur lui et lui avait mordu le cerveau avec ses dents empoisonnées. Comme si un télégramme du diable était arrivé. Un mot : Tue ! Une idée horrible vient frapper à la porte de sa pensée. Pensée ? Même pas. C’est comme si la peste avait frappé à la porte de son château. Une seconde d’hésitation. Une seconde ? Même pas. C’est comme s’il avait déjà ouvert la porte avant d’ouvrir. Comme si quelqu’un avait précédé son mouvement. Sa femme ?
À la seconde, il y a eu ce besoin foudroyant de faire ce qu’on ne doit pas faire, et, subitement, ce qu’on ne peut pas faire, on le fait. Fait. Et déjà tout est ruiné et décomposé : la raison, le cœur, le sentiment, la nourriture, le sommeil. On ne peut plus ni dormir, ni se réveiller. Le temps n’a plus de passé ni de présent. Il est sans repos et sans retour. La première seconde lui a été fatale, on ne peut plus qu’aller de l’avant dans le sang, dans le sang, descendant dans le sang.
Le grand Dérangement a envahi le monde. Ce qui vit n’est pas vivant. Ce qui est mort n’est pas mort. Les rêves chassés de leur région errent à l’extérieur en hallucinations. Tout est perdu, l’amitié, la confiance, l’épouse, les illusions, le goût. Même la peur le quitte.
Et le peuple, dans cette histoire ?
Le peuple ? Ah ! Oui ! C’est vrai. D’habitude, comme dans les pièces de Shakespeare, quand il y a un pays, il y a aussi un peuple. Le peuple, les Macbeth n’y avaient jamais pensé ! Toutes leurs forces, affairées, tendues vers ce petit objet maléfique : la couronne. Tout l’espace du cœur est occupé par le terrible désiré. Jamais on n’avait vu une telle pureté dans le mal, une telle passion dans la tentation, nous semble-t-il.
Nous ? Nous, les oubliés, les rejetés, nous sommes saisis d’effroi et d’incompréhension. Comment en arrive-t-on là, c’est-à-dire au-delà de tout plaisir, de toute satisfaction, là où la fin est sans arrêt et la langue se vomit elle-même ? Le mal est juste derrière la porte. Vous l’entendez hurler. Macbeth n’aurait jamais dû penser à ouvrir la porte. Trop tard frappe comme la foudre.
Attention ! Nous ne devrions jamais laisser les Macbeth ouvrir la porte, pensons-nous. Le mal est prêt. Il n’attend que cet instant. Attention ! Le mal est sans arrêt. Vous êtes prévenus ?
Hélène Cixous, 1^er février 2014

Trente ans après avoir débuté son cycle shakespearien en Avignon, Ariane Mnouchkine revient à l’hybris de l’auteur anglais en s’ancrant dans un présent aux contours flous. D’une tente militaire en Irak en passant par un ordinateur portable délivrant le second oracle au rôle éponyme, la metteur en scène multiplie les détails référentiels renvoyant à notre modernité. Les papparazades incessantes des journalistes avec leurs flashs crépitants évoquent en clin d’œil malicieux Lady Di dans un décor so British masquant mal l’hypocrisie d’un couple ravagé par des pulsions meurtrières. Le coup de génie de Mnouchkine se distingue par sa dénonciation au vitriol du poids des canaux d’information à l’heure de l’hyperconnectivité mondiale. La férocité voyeuriste de la presse à scandale participe à l’aliénation du duo machiavélique en augmentant leur mégalomanie.

Pour le cinquantième anniversaire du Théâtre du Soleil, Ariane Mnouchkine a étrangement choisi de monter Macbeth, de Shakespeare, la tragédie du mal absolu. Celle qui depuis le 29 mai 1964 défend avec sa troupe un théâtre épique, historique, capable de réenchanter le monde en donnant au public l'énergie, l'émerveillement nécessaires pour mieux le penser, l'affronter, s'est donc immergée en enfer depuis des mois. Sans doute parce qu'à 75 ans la généreuse et indomptable patronne du Soleil ne cesse de vouloir comprendre les cancers qui rongent nos sociétés, ce qu'il y a derrière les ambitions effrénées de pouvoir, les faims d'argent insatiables. Et si c'était on ne sait quelle puissance obscure et funeste tapie au fond de nous ? Shakespeare (1564-1616) s'en empara comme personne avant lui, à travers les figures du valeureux Macbeth et de son élégante lady, plongés sans jamais y résister dans la spirale stupéfiante du meurtre et du sang. Jusqu'à massacrer sans regret vieillard, femmes et enfants innocents, tous ceux qui les éloignaient de ce trône promis un soir par trois sorcières. Jusqu'à déranger par leurs crimes l'ordre de la vie même, qui n'est selon Macbeth « qu'une ombre en marche, un pauvre acteur qui sur scène se pavane et se ronge pendant son heure/Et puis qu'on n'entend plus : c'est une histoire contée par un idiot, pleine de bruit et de fureur. Et ne signifiant rien. » Macbeth prétend alors tuer le sommeil, massacrer la pensée. Et finit par faire marcher les forêts... Le chaos que met en scène Shakespeare est si ­radical qu'on a longtemps cru que sa pièce portait malheur, et qu'Ariane Mnouchkine elle-même l'appelle plus volontiers « la tragédie écossaise » qu'elle n'aime à la nommer.

Inspiré de L’Opéra des Gueux de John Gay (1728), l’ouvrage a été créé à l’été 1928 à Berlin. Fort de son succès à la scène, la pièce est portée à l’écran par le cinéaste allemand Pabst trois plus tard. Depuis, la popularité de L’Opéra de quat’sous ne s’est jamais démentie et la partition de Kurt Weill n’a cessé d’inspirer les plus grands noms du théâtre européen.
Depuis 2006, des liens forts unissent le Théâtre de la Ville et le Berliner Ensemble. L’Opéra de quat’sous mis en scène par Robert Wilson y a été joué en 2009 puis 2010. Ce fut un véritable choc théâtral où d’emblée on était impressionné par la couleur « berlinoise » de ce cabaret grinçant peuplé de personnages grimés à outrance à la façon de la peinture expressionniste allemande. Et pourtant, s’y dessinait aussi très clairement la « patte » de Bob Wilson, dans cette science de l’épure et des lumières dont il est un maître absolu. Un décor géométrique abstrait, des jeux de néons et un majestueux rideau rouge abolissent  les frontières. Le plateau devient alors une véritable œuvre d’art d’une « inquiétante étrangeté ».
Chant, lumières, musique (assurée par une dizaine de musiciens dans la fosse) et sons divers (formidable travail sur les bruitages) dialoguent avec une véritable grâce et une incroyable limpidité dramatique. Un mélange onirique de cinéma muet, d’art expressionniste, de cirque, de music-hall et une musique où se côtoient jazz, chanson et opéra. L’ouvrage s’apparente à une satire de la bourgeoisie corrompue. Si elle trouve sa source originelle dans l’Angleterre victorienne, Bob Wilson transcende l’enjeu social par une peinture machiavélique et haute en couleurs. Le « Théâtre de la vie » est finalement le plus fort, semble-t-il nous dire. Un opéra diablement théâtral

Kurt Weill est surtout connu en Europe comme le compositeur de la musique de L’Opéra de Quat’sous (1928)  et de Grandeur et Décadence de la Ville de Mahagonny (1927) de  Brecht.
Weill fut le musicien de théâtre allemand le plus célèbre de la République de Weimar. Chassé d’Allemagne par le national-socialisme, les œuvres qu’il composa en Amérique influenceront tout le style de Broadway.
Le succès de ses premières symphonies est à l’origine de sa collaboration avec des auteurs de théâtre. En 1924, il fait la connaissance de l’actrice viennoise Lotte Lenya, qu’il épouse en 1926. Inoubliable interprète de Jenny dans L’Opéra de Quat’sous, elle contribuera largement à la popularité de ses chansons.
De sa rencontre avec Brecht naissent des œuvres d’une rare audace artistique. L’étrangeté de la musique de Weill, marquée à la fois par l’influence de Busoni, du jazz et de Gershwin, complète admirablement l’ironie insolente des chansons de Brecht et est à l’origine de leur succès. Avec le film de Pabst, dans sa double
version allemande et française, les airs de L’Opéra de Quat’sous, et notamment la « Ballade de Mackie Messer », font le tour du monde.
Ses oeuvres – en particulier Mahagonny – sont violemment attaquées par les nazis qui qualifient Weill de « musicien judéo-négroïde ». Réfugié en Amérique, il travaille avec le New Yorker Group Theatre, puis avec Fritz Lang.
Les liens qu’il noue avec Maxwell Anderson, Elia Kazan, Ira Gershwin... l’amènent à collaborer avec les théâtres de Broadway. Les comédies musicales qu’il compose sont devenues des classiques du théâtre américain.
Admirablement interprétées par Lotte Lenya, ses chansons comptent parmi les plus belles compositions des années quarante.